热门回答

TA获得超过109个赞

借鉴是看了别人的东西，领悟以后转化成自己的东西。抄袭是偷懒的一种表现，对原本内容没有创造性的改变，改之皮毛，最终的内容往往和被抄袭内容有很多相似的东西。

从观众角度来说很容易区分借鉴与抄袭，抄袭往往具有一个特点，就是相较于原作品没有新的创意，观众无法从中获得新的内容感受。

致敬是在原作品之上的表达，在条件允许下应当获得对方的许可。致敬最好也不要出现中同时代、同行业的作品中，这样很容易侵犯到他人的权益

关于“抄袭”，艺术界有两种截然不同的观点：一种认为艺术必然需要原创，同行之间的互相“复制”，或者从外面直接“拿来”，都令艺术品市场鱼龙混杂；另一种则认为艺术必有传承，尤其是中国书画更有摹古的传统，不能以抄袭概之。那么艺术上的抄袭该如何界定？抄袭和摹古如何区分？

焦点-1

临摹古人：美术传统致敬大师

策展人吴杨波认为，关于抄袭艺术界向来就形成两个截然对立的观点，一个认为凡是艺术就一定要是全新的创作，另一个认为艺术也可以互相借鉴和学习，甚至可以是“对大师的致敬”：“就像京剧一样，来来回回就那么几个唱段，要原创很难。但是不同的艺术家对同一段京剧的理解不同，表现的效果也不一样。”他认为，艺术的创造不一定全部是原创，也可以是在前人的基础上所做的革新、改良、改造。但是抄袭与这种革新和改良截然不同：“抄袭在艺术界是令人深恶痛绝的，抄袭者模仿其他画家的作品，签自己的名字，以假乱真。”

然而，在中国美术史上，却存在着一种绘画的传统——后人以能更好地模仿前人作品为荣，即使在仿作上加上自己的名字，其艺术价值和市场价值也往往能获得认可。在广东省美术馆就藏有两件这样的作品。一件是清代画家华喦的杨贵妃肖像图，另一件是上世纪初广东的国画研究会画家黄君璧的杨贵妃肖像图。“两件作品相似度达到99%，可以判断黄君璧原封不动地将华喦的作品临摹了一遍。黄君璧把华喦原画上的款都照搬了一次，同时也落了自己的款。”广东省博物馆研究员朱万章告诉记者，“临摹的过程里，虽然笔法中可能加入了自己的东西，但黄君璧并没有进行‘再创造’，作品的构图和意境与原画完全一样。”从某个角度看来，黄君璧或许是在“向大师致敬”，但是对于朱万章来说，更认为黄君璧这件作品的意义在于展现了自己临摹古画的精湛的艺术功底，同时也证实了国画研究会以临摹“起家”。

临摹的功底历来都被认为是中国书画传统功力的一种，古人临摹，一是为了练习，二是为了展示自己能将古画临摹得毫无二致的功底，而不是为了再创作来展现自己的艺术水准。“对于古人来说，最高水准不外乎将古画临摹出100%的相似度，与原画丝毫不差，甚至连对方的毛病、败笔都临摹下来。”朱万章认为，这种文化和审美传统一直影响了国画界，即使在现代也依然存在以临摹起家的现象，有的画家甚至一辈子都在临摹，“只是有的人临摹后‘幸运’地找到自己的出路，形成了自己的技巧。”所以他认为界定临摹或抄袭的标准是，如果把临摹的作品当做自己的作品来展现，当然就有抄袭之嫌，但如果是博采众家之长进行的习作，那就无可厚非了。

焦点-2

抄袭西方：油画家名利双收

“在不同的文化环境下，抄袭的界定和对待方法有所不同。”朱万章认为，譬如西方古典油画注重写真，临摹的不是古人，而是复制大自然、复制物体、复制人体，但不能复制达·芬奇或者梵高的画，不然会被世人批评甚至攻击。

上世纪末，一个现在已经成名的油画家在当年他的本科毕业论文中探讨了抄袭的问题，将国内部分艺术家著名的作品——找到西方作品的原作进行比较。这篇论文在当时的艺术界掀起了轩然大波和反思。事隔20年后，吴杨波认为，当时中国油画界的艺术家模仿西方大师作品是有一定的意义所在：“不同语境下，西方和东方作品的比较，只是后者借用了前者的图像和符号，可以说是抄袭，也可以是对图像的借用。我更倾向于后一种观点。”

“东方抄袭西方，自上世纪80年代就开始了，其后一直都有。”这种现象被业内称为“画册现象”，吴杨波解释称，当时中国对国外的艺术界还很不了解，有些艺术家率先得到西方的画册，见到好的作品，在其他人还没获得该信息之前，迅速将这种风格改装一下，变成自己的，并靠这种风格成名。“通过走这条捷径成为著名艺术家的现象确实存在，但在艺术界并没有被口诛笔伐或严加职责。”他认为，一个原因是每年全国美展的油画部分都会出现类型风格非常接近、学自某人的作品，但丝毫没影响其入围和评奖，证明业界对这种“抄袭”的宽容，二是在著名的画院领军人物中，不乏抄袭西方作品成功的案例，令此在美术圈子中成为司空见惯的现象。

“抄袭的画家却往往有可能名利双收，这种极其不合理的现象就是知识产权落后的表现。”华辰拍卖总经理甘学军强调应该对此进行立法，但抄袭的界定是个难题。“在构图、画法上应该可以界定，重点是如何改变传统的观念。”在他看来，印刷不发达的时代，中国画以临摹的方式来作为传承、延续的方法。所以，在国际上极为严重的抄袭，因为中国的这种历史传统，而被“淡化”。他认为，现代的中国美术创作和美术市场需要创作、独特个性，所以现在中国艺术品市场，面临世界大市场的机遇和挑战，应该考虑如何遵循国际通行的法则，“传统书画可以有传承关系、门户之风，但现代创作不遵行国际通行原则一定会吃亏。”

焦点-3

相似度多少才算抄袭？

“即使在西方艺术圈中也没存在100%的原创，即使是标榜的全新的，甚至是颠覆性的艺术，也曾存在于前人的语境中，哪怕当时只是存在于反对声中，但跟前面的东西一定是有关的。”吴杨波如此说道。事实上，在西方艺术界，关于是否抄袭有一个比例的衡量。据策展人熊斌了解到，一般相似度达到30%~40%就有抄袭之嫌，否则就只属于雷同。然而，在中国书画中，这个比例却并不适用。“怎么可能界定一个书画家的作品学习了20%的齐白石，25%的张大千，15%的傅抱石呢？”画商刘先生说。

熊斌说：“中国的油画大部分是拷贝外国的手法，连当代的中国水墨画都可能受到一定的影响。画家郭润文曾经说过，油画已经没有什么创新的空间了，只有学习其深度。这句话有一定的道理，成名的艺术家不少都是融合古今中外，先抄再求新。”所以艺术创新就是一种学习、整合，“太阳已经有这么多年的历史了，但是我们对太阳的理解不断在深入。这种理解并不是创新，而是本来就有的，所以对艺术也一样。”不过，不少美术院校的学生为了创新，不加强学习，而是为标新立异而标新立异，就没有任何意义了。

“文化产品总是具备现实有效性。在不同语境里，承担的文化角色并不一样。在不同时间、空间、语境里，同一件作品、同一个样式，被不同艺术家使用，承担的文化角色和功能是不同的，所以在艺术界用‘抄袭’这个词不太准确。学术界的抄袭很明确，一就是一，二就是二，你的就是你的，我的就是我的。但是文化产品很难这么界定，因为图像、符号语言很有限。”熊斌说。

一个艺术圈的资深人士说得更直白：“当代艺术允许这种‘学习’，这不犯法，也无可挑剔，中国人就是这样学习和创作的。当代艺术创作方法允许使用已有的图像，譬如张晓刚，使用的是上世纪60年代的家庭合照，这就是挪用，比如周春芽或其他艺术家，也是这样的。但他们挪用已有的图像创造了新的意义。”

有市场人士认为，抄袭者能够在市场“吃得开”，也有收藏者普遍水平不高、无法判断有一定的关系。甘学军则认为收藏者、消费者确实应该具备一定的鉴别和消费艺术品的能力，但是归根结底，原因不在收藏者身上，收藏者不可能了解所有的艺术家和艺术品，只有制定法律，创作者即生产者不能抄袭杜撰，才能从根本上解决问题。

画画，没有抄袭，只有复印，在厉害的仿品高手也跟难做到分毫不差

抄袭一一主题抄袭，内容抄袭(如我们看了一部作品，剧情却仿佛是以前看过的某人作品，要不直接照办，要么大同小异)

形象，形式抄袭。就是照图索骥把比类作品说成自己的原创。

其实就绘画来说:主要是看水平(如同高仿)临摹的，赝品的，也须不能跟原作比(原作的价值其实也有历史成分在里面)但也是有价值有市场的(注，现代展出的古代名画，也不乏后人的拓本，临摹的作品)

如果你对外宣称是自己原创的作品，那么只要出现画面主体与他人作品相似，且他人先与你完成，就可以判定为抄袭。中国绘画界的抄袭现象非常多，这与中国绘画学习方法有很大关系。传统中国画学习是师徒手口相传的，而且中国画大多闭门造车，不管是山水、花鸟、人物画、动物画，都是如此，构图有定式，技法也是一板一眼模仿，这样的习惯影响了后来西洋绘画体系进入中国，也出现这类现象。

|个人意见仅供参考|

定义绘画抄袭首先要定义抄袭二字，我认为绘画作品可以借鉴临摹相互学习，但抄袭是属于完全盗取他人作品据为己用，此手法不道德且令人深恶痛绝，是不可取的。

当然又会有疑问，相似度多少才算是抄袭呢。到现在西方艺术圈都不一定存在100%的原创，很多标榜的全新的，甚至是颠覆性的艺术都有借鉴前人的可能性，所以这个是没有绝对性的。

文化产品是具备现实有效性的。在相同语境里，承担的文化角色并不一样。在不同时间、空间、语境里，同一件作品、同一个样式，被不同艺术家使用，承担的文化角色和功能是不同的，所以在艺术界对绘画而言用‘抄袭’这个词可能不太恰当。

学术界的抄袭很明确，一就是一，二就是二，你的就是你的，我的就是我的。但是文化产品很难去界定，因为本身的图像符号语言是有限的。

所以大家可以在学习和创作的途中借鉴汲取好的东西，千万不要完全盗取照搬他人作品，并无意义。

至于抄袭我的理解是这样的，比方说一篇文章可以抄袭抄一遍叫做抄袭或者说一片文章未经过消化，就用在自己的作品里面啦，而且没有属名是转载等等，这可以说叫做抄袭，可是一幅画就不然了，如果你的绘画水平不在一个水平线上，是比着葫芦画不出瓢来的，所以中国画管比着一幅画，画的作品叫做临摹品也叫作另创作因为中国画，是画不出一模一样的另一件作品的，不对的地方请老师们批评指正

绘画艺术的核心就是创新，就是创造出更有艺术魅力、与众不同的艺术作品。

绘画学习需要一个漫长的过程。从最初的临摹、继承、借鉴，到后期的吸收、消化、创新。需要几年、几十年、甚至是一辈子才能做完的事情。临摹、继承、借鉴都是为了技法等基本功的训练，从没有习惯到慢慢养成各种正确习惯的过程。而吸收、消化、创新就是要打破前面养成的各种习惯，然后重构自己新的习惯，一种只属于你一个人的各种习惯。当然绝大部分人有能力、有毅力让自己逐渐养成各种良好的习惯，可是他们却再也没有勇气和能力来打破这种习惯进而重构自己，这不能不说是现实的一种常态，也是一种悲哀。

也就是说如果没有你自己独一无二的习惯，没有自己于总不同的个性。所有的“创作”基本上都可以定义在抄袭或复制。而不应该属于创作或创新！

就像建筑设计师一样，大家用的材料都基本一样，但是你用了独一无二构造原理和施工工艺。最后的建筑物成了全世界与众不同的地标，甚至是成为了一座超级大的装置艺术品！

艺术、艺术、艺术，任何艺术都是继承传承的过程，因为只有这样，远古时代的艺术才会被现在的人所熟悉，既然有继承，就会有临摹模仿，然而，这艺术的临摹模仿又是一个极难掌握的“度”，但又必须要临摹模仿，问题来了：怎么定义绘画抄袭呢？

定义绘画抄袭

开篇已经简单提到了，

艺术离不开临摹模仿，

为什么这么说呢？原因很简单，只有临摹模仿，才能将艺术继承并传承下来，要是艺术没有经过一代代临摹模仿的话，艺术的章法就会断层了，所以，古今中外，那些有艺术成就的艺术家都经历过临摹模仿艺术大师作品的过程，

甚至可以说，临摹模仿的技能还很高超，

只不过最后自成一家之风，创作出属于自己风格特色的作品，也才不会被定义为绘画抄袭，

但是并不是所有人都有办法做到临摹模仿之后还可以自成一家之风的，以至于我们又把这种“临摹模仿”定义为艺术抄袭的行为了，

所以，

怎么定义绘画抄袭，是一个非常复杂的过程，毕竟优秀的作品总会有人去临摹模仿，只要一模仿就被定为抄袭，不模仿的话，又得不到精髓，在没有名气之前，创作出来的画，几乎没人会认可，这对于一个画者来说，是左右为难，非常矛盾的事情，

当然了，若执意要定义绘画抄袭，首先，就是从

画作内容相似度，

来辨别，比如，人物的表象、神态，除了内容之外，就是

构图，

被定义为抄袭的绘画作品，几乎都是在构图上抄袭了，因为没有一个人会傻到抄袭的内容和原画作一模一样，而构图是难以辨别的，构图就好比画作的“模具”一样，构图里有每个细节的布局，抄袭的画作就是参照原画作的构图方法。

画了多年的画也做了多年的非遗我一直坚持做自己，做自己就是做自己喜欢的自己认为正确的最好的作品来呈现来表达自己内心深处的东西。

对于绘画作品中的抄袭在很多展会上卖场上都能看到，抄袭是拿来主义是以临摹别人的作品来完成自己绘画作品的过程，那样的作品是没有作者灵魂的东西只能是技法的展现。

对于一个初学某个画种的人“抄袭”这个词应该称为“临摹”学习别人的技法，初学者在不段的临摹学习过程中将绘画技法不段的提升久而久之就可以完成自己心灵创作，不过这样的过程是很漫长的几年或者几十年都有可能，有一种人在绘画上不学任何技法只画自己的心灵深处的东西，也有一种人一生只画别人的东西。

抄袭这种定义看怎么来判呢！艺术抄袭的界定不明确，作品是否存在抄袭的很难认定。如果学习过程中临摹是一种学习的途径但也并非是高明的手段。有些东西是客观的来看待问题，当年张大千学习敦煌使用了不择手段抄袭临摹了大量作品另外为了生计还卖假画以假乱真的其他艺术家作品，这在艺术上有些道德问题不可取。这不能说他有多么高的艺术水准和艺术价值。艺术的价值在于原创，有些作品或者其他门类的艺术有可能会激发出艺术家的创作灵感形成了另外一种新的艺术形式这不叫抄袭了是艺术的升发和创新了。例如，毕加索说，他的艺术灵感多半来源于大师委拉斯凯兹的《宫娥》。有些画家的作品抄袭大师的画在市场形成大量流通这就成了行画了一文不值了也就没有多大的艺术价值了。原创作品是有思想有灵魂的艺术品，反映的是艺术家本人特有的个性和，是充满激情、生活色彩和丰富的人生感悟的艺术表现形式。抄袭内涵和艺术气质是无法体现的。一般情况下抄袭的艺术是会被默认为艺术的，这是整个艺术家的趋势。不照抄照搬，融入别人的元素，组成新的艺术作品，不能叫抄袭，融合大师的优秀技法或作品的精华之处，可叫艺术。借鉴大师的作品，并且在原作品中融合了作者自己的想法，作者会与原作者有一些不同的艺术灵感，在原作品的基础上进行再创造，而展现出另一种审美方式。